Artista 08,2016

(Agosto 2016)

Luis Argudín


 

Fecha: 2016-08-01

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Ratio, relatio, correlatio, 2012 (díptico)
Ratio, relatio, correlatio, 2012 (díptico)
Óleo sobre tela
260 X 390 cm

 

 

Luis Argudín, Artista del mes en Artes e Historia México, ha desarrollado una prolífica y productiva obra pictórica trabajando primero dentro de la abstracción, influencia recibida de su educación artística en Europa en donde entra en contacto con las vanguardias de los años setenta, para más adelante abordar la figuración. En su caso, la figuración le permite plantear un discurso más reflexivo y conceptual que desarrolla a través de series temáticas que se vuelven un pretexto para abordar y analizar diversos temas.

 

La pintura figurativa de Luis Argudín adopta deliberadamente una tradición más clásica y académica: recurre a los medios tradicionales de la pintura bidimensional y recupera géneros pictóricos del arte de los siglos XVII y XVII como los bodegones, naturaleza muerta y el paisajismo, pero desde una mirada renovadora para elaborar un discurso estético contemporáneo, analítico y crítico, incorporando a esos géneros objetos cotidianos y de su entorno inmediato como botellas de cerveza, ceniceros,  charolas, cigarros, humo y las transparencias del vidrio. Técnicamente impecable, reinterpreta una serie de elementos pictóricos del barroco, como los remarcados contrastes entre luces y sombras que, a su vez, refuerzan los contornos entre fondo y figura, adquiriendo éstas últimas un gran dramatismo. Gran conocedor de la historia del arte –él mismo es teórico-, desarrolla conceptos como el diluvio o el vanitas, modalidad muy presente durante el barroco y que recuerda la inevitabilidad de la muerte y la inutilidad de las ambiciones y logros terrenales.

 

Un tema constante en la obra de Argudín es el erotismo femenino, representado a través de mujeres desnudas que suelen estar agrupadas o en dúos, situadas en elaboradas escenografías cargadas de simbolismos y paisajes naturales, pero al mismo tiempo rodeadas de elementos que remiten a espacios íntimos y domésticos, a modo de grandes escenarios. El erotismo como tema es con relación a la serie “Diluvios”,  que al tratar a la figura frente a fondos ficticios –acentuado ésto por el uso de la grisalla- hace referencia, tanto a un pasado mitológico irreal frente al realismo de la figura  -el diluvio- como a las fotografías eróticas del siglo XIX, donde éstas posan frente a telones pintados dentro del estudio de fotografía; es decir, como una forma que también hace referencia al propio estudio-taller del pintor.

 

En los cuadros de Luis Argudín, la luz ejerce un papel primordial. Cito el siguiente texto que aclara este punto: “Una iluminación intensa refuerza el efecto de presencia y remarca el volumen de los objetos. La imagen es construida a partir de escenografías montadas en el más puro estilo dieciochesco donde la sensación de espacio de la perspectiva aérea es anulada al prescindir del esfumado y la ilusión de profundidad en un tenebrismo expansivo. Adopta una aproximación desde múltiples e inusuales ángulos de visión alejándose de una pintura observacional y restaurando un dominio sobre el objeto. Las formas, los pliegues de las telas y contornos se resaltan, tanto los que aparecen en primer plano como los que se encuentran en la distancia. Subordinándose todo al manejo de la textura con densidad matérica y trazo enérgico y resuelto, utiliza hábilmente la colocación densa de materia de óleo en las zonas de luz contribuyendo a ese efecto que fascina cuando nos encontramos frente a su obra.” (Ramón Almela, Doctor en Artes Visuales. “Luis Argudín. La pintura entre la mirada y el objeto”: www.criticarte.com).

 

Al retomar de manera tan decisiva géneros pictóricos académicos para reflexionar sobre diferentes temas desde una perspectiva tan contemporánea y aguda, lo convierte en uno de los pintores actuales más interesantes y posmodernos. 

 

Luis Argudin nació en la Ciudad de México en 1955. Estudió en Inglaterra la licenciatura (B.A) en artes visuales (Hornsey College of Art) de 1974 a 1979 y la Maestría en Estética y Teoría del Arte de 1979 a 1980 en la Universidad de Essex. Actualmente escribe la tesis “Estética, un recorrido personal” dentro del marco del  Doctorado en Artes Visuales de la FAD-UNAM, donde es maestro de Teoría del Arte desde 1988.  Ha sido investigador del Instituto de Investigaciones Filosóficas de la UNAM (1983-1986) y maestro en la UAM-Iztapalapa, en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos, y en la Esmeralda, además de impartir cursos y conferencias en todo el país y en el extranjero.

 

Ha recibido distintos reconocimientos, entre ellos el primer premio de adquisición en el Salón de Pintura (1987); el segundo premio de adquisición en la Cuarta Bienal Rufino Tamayo (1988); y menciones honoríficas en la Primera y Sexta Bienal Rufino Tamayo (1982 y 1992). Ha ganado la Beca de Creadores Intelectuales del FONCA (1993), la Beca Fullbright- García Robles (1994), la Beca Pollock-Krassner en Pintura, Nueva York (1997), una residencia en Colombia del FONCA y el Ministerio de Cultura Colombiano (2001), y  la Beca del Sistema Nacional de Creadores del FONCA (2001-2003, 2004-2006, 2013-2015), Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores 2016-2018. 

 

Como teórico del arte es autor de los artículos “Juego e imaginación en Kant” (1983), “El ojo pensante” (1984), Dianoia, IIF-UNAM. En 2006 se publicó Diluvios,  por  la UAM– Xochimilco.  En 2008  publicó La espiral y el tiempo. Juicio, juego y genio en Kant y Schiller; y en el 2013,  El teatro del conocimiento, ensayos de arte y pintura, ambos  por la ENAP-UNAM. 

 

Ha realizado más de 30 exposiciones individuales, entre las que destacan El taller y sus construcciones (1988) en el Museo Carrillo Gil; Retratos (1996) en el Museo José Luis Cuevas; El teatro en la memoria (1996) en el Palacio de Bellas Artes; Historia natural (2003) en el Museo del Chopo; Comprendí con los ojos, que ha viajado por varias sedes en el país; Cortinas y humo en el Seminario de Cultura Mexicana (2008), y Diluvios en el Museo de Arte de Tlaxcala (2010)  y en el Museo de la Ciudad de México (2016) y en 2012, Afinidades electivas, en el Museo de la Secretaría de Hacienda. 

 

Colectivamente ha participado en proyectos como Imágenes traspuestas, en el Museo de Arte Moderno, en 1988, y Still Life, en el Museo de Arte Carrillo Gil, en el año 2004, el proyecto Akaso (pinturas de gran formato) en el Museo del Chopo (2008) y Musas (Museo de Arte de Sonora), El hombre al desnudo, (Munal, 2014) entre otros. 

 

Texto: Daniela Cuéllar

 

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